La mostra “Cosmo Sallustio. Magia della Realtà”, ospitata a La Vaccheria di Roma dal 6 giugno, propone un finissage venerdì 26 giugno alle ore 18.00. L’evento prevede una visita guidata condotta dai curatori Marco Nocca e Monica Sallustio, un intervento dell’antropologa Valentina Ferrante e un brindisi di chiusura accompagnato da intrattenimento jazz a cura di Claudio Pantaleone.

L’esposizione, che si concluderà ufficialmente il 28 giugno 2026, riunisce circa quaranta opere tra olii, disegni, acquerelli, tecniche miste, chine e sculture, molte delle quali presentate per la prima volta a Roma. Gli organizzatori hanno deciso il finissage come occasione per ripercorrere il percorso umano e artistico di Cosmo Sallustio, nato a Molfetta nel 1930 e scomparso a Roma nel 2010.

Il percorso espositivo documenta le diverse fasi della carriera dell’artista: dopo gli studi classici e il trasferimento a Roma nel 1958, Sallustio sviluppò inizialmente esercizi di stile; sul finire degli anni Settanta introdusse tematiche religiose ispirate ai passi del Vangelo, con figure cariche di simbolismo. Negli anni Novanta la sua opera si confronta con attualità e politica, raccontando anche fatti di cronaca. In merito agli ultimi anni di produzione, Marco Nocca osserva: “Non c’è dramma né moto, in questi felici dipinti degli ultimi anni, ma un ordine geometrico, la contemplazione filosofica della realtà: nella stasi assoluta, magia da decifrare, teorema da risolvere. Sta in questo il vero miracolo della pittura di Sallustio: produrre delle immagini senza tempo, avvolte da un’aura d’incantamento, che, senza mai far ricorso alla cronaca, in questa forma sospesa denunciano ancor più le sempiterne storture del mondo.” (M. Nocca).

La mostra si avvale del patrocinio del Municipio IX Roma Eur di Roma Capitale, in collaborazione con Aurorart, con il sostegno della Fondazione Elisabetta Sgarbi.

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Una retrospettiva dedicata a Cosmo Sallustio apre a Roma dal 6 al 28 giugno 2026 presso La Vaccheria. L’esposizione, curata da Marco Nocca e Monica Sallustio, presenta circa quaranta opere — tra oli, disegni, acquerelli, tecniche miste, chine e sculture — molte delle quali esposte per la prima volta nella capitale. L’inaugurazione è stata celebrata il 6 giugno alla presenza di Titti Di Salvo, presidente del Municipio IX Roma Eur.

La mostra, promossa con il patrocinio del Municipio IX Roma Eur in collaborazione con Aurorart e con il Main Sponsor Fondazione Elisabetta Sgarbi, è accompagnata da un catalogo pubblicato da Ceribelli Editore con testi di Valentina Ferranti, Marco Nocca, Monica Sallustio, Elisabetta Sgarbi e Vittorio Sgarbi; le schede tecniche sono a cura di Francesca Bozza. L’ingresso è libero.

Il percorso mette a fuoco la figura poliedrica dell’artista nato a Molfetta nel 1930 e scomparso a Roma nel 2010. Dopo gli studi classici e il trasferimento a Roma nel 1958, Sallustio conciliò per oltre trent’anni l’attività di insegnamento con un’intensa produzione artistica che comprende pittura, disegno e sperimentazione scultorea. Negli anni Settanta e Ottanta la sua ricerca si è estesa alla tematica religiosa e, progressivamente, a soggetti di attualità e cronaca che riflettono i conflitti e le tensioni del mondo contemporaneo.

Il percorso espositivo documenta questa evoluzione: dalle tavole a olio e dai numerosi studi preparatori a china e acquerello, alle sculture in cartone e in lamiera zincata. Sono presenti opere che trattano eventi storici recenti, come dipinti ispirati alla Guerra del Golfo e all’11 settembre, e lavori che utilizzano iconografie religiose per esplorare il conflitto tra bene e male.

Sui legami stilistici e sulle possibili ascendenze critiche, Vittorio Sgarbi osserva: “L’ho guardato nei suoi quadri accompagnati da lunghe didascalie illustrative, e ho provato a collocarlo nel tempo e nello spazio: anni trenta? Anni quaranta? Anni cinquanta? No.” Nel testo critico di Marco Nocca si legge inoltre che “nella stasi assoluta, magia da decifrare, teorema da risolvere. Sta in questo il vero miracolo della pittura di Sallustio: produrre delle immagini senza tempo, avvolte da un’aura d’incantamento”.

Il catalogo e i testi critici esplorano anche il rapporto dell’artista con la dimensione domestica e con le figure femminili del suo nucleo familiare, ricorrenti nella sua iconografia. Tra le opere citate nel percorso figura la grande tavola Mercatino rionale ristrutturato (1999) e interventi scultorei realizzati con materiali e tecniche sperimentali, come un Cristo risorto in lamiera di zinco saldata a stagno datato 1980.

Informazioni pratiche: la mostra è ospitata a La Vaccheria, Via Giovanni L’Eltore 35 (00144) Roma, e rimane aperta dal martedì al giovedì con orario 9:00–13:00 e dal venerdì alla domenica 9:00–19:00 (chiuso il lunedì). Per informazioni è disponibile il numero +39 392 0923625; il sito dell’artista è https://sallustiocosmo.it. Per materiale fotografico è indicato un link a una cartella esterna e sono forniti contatti dell’ufficio stampa.

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Il Mattatoio di Roma – La Pelanda ospiterà, dal 9 giugno al 2 agosto 2026, la mostra personale dell’artista Renzogallo intitolata Oltre le ceneri. L’allestimento, curato da Aldo Iori e progettato appositamente per la Galleria delle Vasche, presenta un percorso espositivo che mette in relazione le opere con lo spazio architettonico del luogo.

L’inaugurazione è prevista per l’8 giugno alle 18:30, preceduta da un’anteprima dedicata alla stampa lo stesso giorno alle 17:30; all’appuntamento saranno presenti l’artista e il curatore. Per accreditamenti è indicato l’indirizzo press@rp-press.it.

Il progetto espositivo si apre con un’opera site-specific composta da una sequenza di elementi in ferro verniciato di rosso disposti in modo da costituire un’unica grande installazione. La mostra prosegue con installazioni realizzate in legno e carta di giornale verniciate di rosso, dipinti su tela e opere in tecnica mista su carta, tutte concepite attorno ai concetti di soglia e attraversamento.

Secondo la progettualità esposta, le opere di Renzogallo cercano di mettere in crisi racconti prefabbricati e narrazioni dominanti, in particolare quelle veicolate dai mass media, esplorando significati là dove appaiono solo macerie. Le installazioni, adattate in scala allo spazio della Galleria delle Vasche, perseguono un’idea di monumentalità che le avvicina all’architettura: ogni struttura è pensata per dialogare con il luogo e per attivare, con la presenza dell’osservatore, una relazione fisica e visiva tra corpo, spazio e visione.

Il rosso, elemento ricorrente nel progetto, è descritto nella comunicazione degli organizzatori come vettore di intensità e di calore vitale che conferisce volume e forza simbolica alle opere.

Renzogallo (Lorenzo Gallo, Roma 1943) si è formato al Liceo artistico di via Ripetta sotto la guida di nomi come Giuseppe Capogrossi, Giulio Turcato, Afro e Gastone Novelli. Nel 1964 ha vinto una borsa di studio per Madrid, dove ha tenuto la prima mostra personale, per poi proseguire la carriera tra Barcellona e Parigi. La prima personale in Italia risale al 1967 nella galleria Il ferro di cavallo di Roma, con la presentazione di Gastone Novelli. Negli anni Settanta si è concentrato sulla pittura e sulla concezione dello spazio come dimensione pluridimensionale; nella seconda metà degli anni Settanta ha realizzato installazioni di rilievo a Modena e a Ferrara. Dal 1985 usa il nome d’arte Renzogallo e, tra gli Ottanta e i Novanta, ha ampliato l’uso di materiali eterogenei fino a sviluppare opere ambientali e tridimensionali.

La carriera dell’artista comprende mostre personali e collettive in diversi paesi, acquisizioni da parte di musei e interventi di arte pubblica realizzati in varie località italiane e internazionali. Negli anni Duemila ha svolto attività didattica presso istituzioni come La Sapienza di Roma, l’Accademia di Belle Arti di Perugia e l’Università della Tuscia. Renzogallo vive e lavora a Roma.

L’iniziativa è promossa dall’Assessorato alla Cultura di Roma Capitale, dall’Azienda Speciale Palaexpo e dalla Fondazione Mattatoio – Città delle Arti, realizzata dall’Azienda Speciale Palaexpo in collaborazione con Latitudo. Gli orari del Mattatoio sono dal martedì alla domenica, dalle 11:00 alle 20:00 (lunedì chiuso); l’ingresso è consentito fino a un’ora prima della chiusura.

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Un confessionale ligneo restaurato e dotato di un’intelligenza artificiale è stato presentato durante l’AI WEEK 2026 a Fiera Milano Rho con il titolo The Algorithm Creed. L’opera, firmata dall’artista Matteo Mandelli (noto anche come YOU), riprende la struttura tradizionale del confessionale – recuperata da un esemplare del primo Novecento – e la trasforma in uno spazio di interazione in cui al posto del sacerdote agisce un algoritmo che ascolta e «assolve» le confessioni dei visitatori.

“Il Confessionale AI nasce da una domanda molto semplice: cosa succede quando iniziamo a raccontare qualcosa di personale a una macchina?”. L’installazione propone di sottoporre al pubblico, in forma laica, la dinamica del confidarsi a una presenza non umana, invitando a riflettere sul rapporto quotidiano sempre più diffuso tra persone e sistemi di intelligenza artificiale.

Dal punto di vista tecnico, il sistema è sviluppato in Python e gira sul computer della postazione. Al centro del progetto c’è l’SDK di ElevenLabs, impiegato per orchestrare agenti vocali conversazionali in tempo reale. Il microfono cattura la voce del visitatore, la trascrive in testo e la invia a un agente AI che risponde vocalmente attraverso gli altoparlanti installati nel confessionale; l’intero processo viene avviato tramite un pulsante fisico. Durante la sessione il sistema apre una connessione con i server ElevenLabs; la conversazione può terminare manualmente, allo scadere del tempo massimo impostato oppure al termine naturale della confessione. Le trascrizioni vengono successivamente elaborate con Groq per «bonificare e rendere totalmente anonima» la confessione e poi salvate in un database accessibile online che raccoglie le sessioni effettuate.

A proposito del progetto, Mandelli ha spiegato: “Ho preso un gesto molto umano e riconoscibile, quello della confessione, e l’ho spostato in una relazione con un’intelligenza artificiale – spiega l’artista Matteo Mandelli – Non per dare risposte, ma per rendere visibile un cambiamento che sta già avvenendo. Portare questo lavoro all’interno di AI Week ha per me un significato preciso. È un contesto in cui la tecnologia viene presentata soprattutto come sviluppo e opportunità, mentre qui entra in gioco anche una dimensione più umana, più intima. Essere l’unico progetto artistico e culturale all’interno della manifestazione apre uno spazio diverso: un punto di incontro tra tecnologia e arte, che oggi, nel 2026, sono due forze centrali nella costruzione del nostro immaginario. Trovarsi in questo contesto significa creare una possibilità di dialogo, dove non si parla solo di cosa l’intelligenza artificiale può fare, ma anche di come ci cambia. Ed è proprio in questo spazio che possono nascere nuove visioni e nuove possibilità condivise”.

Giacinto Fiore e Pasquale Viscanti, legati all’organizzazione dell’AI WEEK e alla community Intelligenza Artificiale Spiegata Semplice, hanno commentato: “L’opera The Algoritm Creed è la dimostrazione di come l’intelligenza artificiale non sostituisca l’arte, ma semplicemente la inviti a ridefinire il proprio significato. Ogni rivoluzione tecnologica ha cambiato il linguaggio culturale del suo tempo, e oggi siamo dentro una nuova alfabetizzazione creativa La cultura è il contesto che rende l’IA realmente umana. Senza visione culturale, gli algoritmi restano strumenti; con l’arte e il pensiero creativo, diventano amplificatori di immaginazione collettiva. Alla AI WEEK 2026 abbiamo voluto dimostrare anche questo”.

Matteo Mandelli, nato a Merate (Lecco) nel 1988 e attivo da Monza, è un artista concettuale e multidisciplinare il cui percorso parte dalla Street Art e si è sviluppato attraverso performance e installazioni immersive. Tra le esposizioni e i progetti citati figurano Art Dubai, Frieze London, Art Basel Hong Kong, Milano Design Week e il Decentral Art Pavilion alla Biennale di Venezia 2022. Tra i lavori menzionati nel percorso dell’artista appaiono «Fioriture Sintetiche» nel Duomo di Cremona, interventi nelle sale storiche di Palazzo Visconti a Milano (come «The Contact»), interventi a Villa Ciani a Lugano e la mostra antologica «Cyber Anthology» (2026).

L’installazione invita il pubblico a interrogarsi sulle implicazioni culturali e personali dell’interazione con sistemi artificiali che assumono funzioni tradizionalmente umane, aprendo questioni pratiche e normative relative a dati, anonimizzazione e conservazione delle registrazioni.

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Il progetto Dormancy di Jacopo Belloni è tra i progetti selezionati nella quattordicesima edizione dell’Italian Council, il programma della Direzione Generale Creatività Contemporanea del Ministero della Cultura. L’opera sarà parte della decima edizione di Biennale Gherdëina, (Future) Paradise Gardens, a cura di Samuel Leuenberger, in programma dal 31 maggio al 13 settembre 2026 a Ortisei e in Val Gardena.

Dormancy è pensato come un progetto articolato in più fasi e in diverse geografie: una prima parte è stata prodotta ed esposta a Halle Nord a Ginevra nel 2025, mentre la seconda verrà presentata in Italia nel contesto della Biennale. Nei mesi estivi il progetto avrà ulteriori attivazioni all’estero, tra le quali una partecipazione all’evento Fogo Fátuo a Porto il 4 luglio e un intervento collegato a un talk a Triangle-Astérides a Marsiglia. Al termine del ciclo espositivo in Val Gardena, Dormancy entrerà a far parte della collezione permanente della GAMeC – Galleria d’Arte Moderna e Contemporanea di Bergamo.

L’opera si sviluppa attraverso due cicli scultorei distinti. Il primo, intitolato Dormienti, è un raccoglitore di semi concepito come una sorta di scrigno o reliquiario: raccoglie, cataloga e conserva semi studiati e recuperati insieme ad associazioni e comunità locali impegnate nella preservazione del germoplasma. Questi contenitori, descritti dall’artista come fragili recipienti che richiamano oggetti di uso quotidiano trasformati in capsule del tempo, sono pensati per conservare vita dormiente anche per decenni.

Il secondo ciclo, Nenie, è composto da alambicchi in rame destinati alla distillazione di oli essenziali ricavati da piante con proprietà calmanti e soporifere. Le sculture-estrattori emettono essenze fitoterapeutiche i cui effetti saranno percepibili dai visitatori, che potranno così sperimentare uno stato di sopore evocativo della quiescenza dei semi.

Dell’opera Belloni scrive che le due serie scultoree “sono pensati come un rito funebre in cui, attraverso la sparizione e il compianto, si celebra un potenziale inizio”. L’installazione complessiva, collocata nella soffitta di un vecchio edificio scolastico a Santa Cristina, intende indagare sia la dimensione biologica sia quella emotiva della sospensione, proponendo una riflessione sul ciclo tra attività e stasi e sulla responsabilità verso il futuro.

Il progetto è il risultato di una fase di ricerca e produzione condotta tra l’inverno 2025 e la primavera 2026 tra Ginevra e la Val Gardena, con scambi con realtà culturali, artigianali e scientifiche locali. Dormancy si avvale inoltre della consulenza scientifica del gruppo Arable Crops and Aromatic Plants del Laimburg Research Centre.

Il progetto è realizzato con il sostegno della Direzione Generale Creatività Contemporanea del Ministero della Cultura nell’ambito dell’Italian Council (14ª edizione, 2025).

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Domenica 24 maggio 2026 alle ore 11 nella Sinagoga del Parco archeologico di Ostia antica sarà inaugurata Arte in Memoria 12, la rassegna biennale di arte contemporanea a cura di Adachiara Zevi. La mostra resterà aperta fino al 27 settembre e presenta opere realizzate appositamente per gli spazi dell’antica sinagoga, risalente al II–III secolo d.C. e situata nell’area degli Scavi di Ostia.

Per l’edizione 2026 espongono le artiste Ella Littwitz, nata in Israele nel 1982, con l’opera For they have seen (y)our nakedness, e Natalia Romik, nata in Polonia nel 1983, con l’opera Flickering architecture. Con queste partecipazioni il conteggio complessivo degli artisti coinvolti nelle precedenti undici edizioni sale a 56.

All’inaugurazione interverranno Alessandro D’Alessio, direttore del Parco archeologico di Ostia antica; Francesco Spina, storico dell’arte del Parco archeologico; e la curatrice Adachiara Zevi. Le istituzioni promotrici includono il Ministero della Cultura, il Dipartimento per le attività culturali, il Dipartimento per la valorizzazione del patrimonio culturale, la Direzione generale Musei e il Parco archeologico di Ostia antica. L’iniziativa si avvale inoltre del patrocinio dell’Unione delle Comunità Ebraiche Italiane e del sostegno dell’Istituto Polacco di Roma e del Wissenschaftskolleg di Berlino.

La mostra si svolge nella Sinagoga del Parco archeologico, in Viale dei Romagnoli 717, Ostia antica (Roma). Materiale fotografico e documentazione per la stampa sono segnalati a un link fornito dall’organizzazione. Per informazioni e contatti stampa: Paola Saba, +39 338 4466199, paolasaba@paolasaba.it.

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“A L’Aquila- ha detto- c’e’ un finanziamento di circa un milione e mezzo per completare il restauro di Palazzo Ardinghelli che e’ stato restaurato con un contributo della Russia. All’origine doveva diventare sede degli uffici del ministero, invece abbiamo valutato che diventera’ un museo di arte contemporanea, la cui collezione verra’ costruita attraverso donazioni. Visto che il luogo non e’ grande dovranno essere donazioni importanti, quindi piu’ la qualita’ che la quantita’. E che, stiamo ragionando, potra’ essere gestito dal Maxxi e sara’ Maxxi L’Aquila”. Una realtà culturale dedicata all’arte contemporanea che diventerà un “contributo per la rinascita del Centro storico. Ci rivolgeremo agli artisti e alle istituzioni chiedendo loro di donare un’opera per il nuovo museo”.

Nicoletta Di Placido-Dire

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