La seconda edizione di Magliano Contemporanea, articolata attorno al progetto OLEUM dedicato al simbolismo dell’olio e dell’ulivo nel Mediterraneo, si è conclusa con una serata di grande partecipazione e lo svolgimento della cerimonia di premiazione del Premio Tavano Amodeo. L’iniziativa ha trasformato Magliano in Toscana in un luogo di confronto tra artisti, istituzioni e pubblico, rafforzando il ruolo della rassegna nel panorama culturale locale.

La cerimonia, svolta lo scorso 29 giugno, ha visto la proclamazione dei vincitori dell’edizione 2026 del Premio Tavano Amodeo, nato per sostenere la ricerca artistica contemporanea in memoria dei maestri Savina Tavano e Manlio Amodeo. Al primo posto è risultato Luca Talarico con Elaia, la Ninfa dell’ulivo, un’opera realizzata attraverso un raffinato lavoro di intarsio millimetrico e cucitura strutturale su pellami nobili. Al secondo posto Anna Tonelli con Estrazione Materica (olio su tela), mentre il terzo premio è andato ad Alessandro Gabrielli con Luce di una luna tra gli olivi (tecnica mista su tela).

Sono stati inoltre segnalati come finalisti Antonio Orelli, Giuseppe Rossi, Malugho (Morena Tirintino), Fabrizio Azzali, Stefano Baldisseri e Biagio Magliani, protagonisti di una selezione che ha messo in luce la varietà delle ricerche presentate.

La serata ha inoltre inaugurato Estratto, la mostra personale di Salvatore Marchesani, vincitore della prima edizione del Premio Tavano Amodeo. Nelle opere in esposizione gli ulivi sono letti come simboli di memoria, identità e relazioni umane: il paesaggio mediterraneo diventa luogo di contemplazione, in cui materia e evocazione si intrecciano e gli alberi assumono figure quasi umane, raccontando radici e condivisione.

«La mostra Estratto nasce da un rapporto fisico e profondamente emotivo con il paesaggio», ha dichiarato l’artista. «Il territorio, e in particolare gli uliveti, sono per me un vero e proprio “Paesaggio Teatro”, un luogo che ho sempre vissuto contemporaneamente da spettatore e da attore. Il mio lavoro nasce dall’esigenza di osservare, attendere, ascoltare e soprattutto toccare la terra, entrare in contatto con la sua materia e con tutto ciò che la abita. Anche la raccolta delle olive è, a suo modo, una performance creativa: un insieme di gesti e di azioni che conduce a una visione più ampia e consapevole del paesaggio. Tutte queste esperienze, le emozioni e le sensazioni che solo il paesaggio sa donare, restano negli occhi e diventano memoria vissuta, trasformandosi poi in proiezione sulla tela. L’ulivo e l’olio continueranno a rappresentare per me simboli di longevità, resilienza e condivisione, valori che ho ritrovato pienamente in questa meravigliosa esperienza a Magliano in Toscana».

La direzione artistica e la curatela della manifestazione sono affidate a Maria Grazia Londrino; la produzione generale della mostra è a cura di Dialogues, raccontare l’arte Srls. Alla presentazione erano presenti, fra gli altri, la direttrice artistica Maria Grazia Londrino, l’artista Salvatore Marchesani e la vicesindaco Tamara Fattorini.

«Ogni volta che arriviamo a Magliano in Toscana abbiamo la sensazione di lasciarci accarezzare non solo dalla natura, dal sole e dal vento, ma anche dalla bellezza di questo luogo e dalla sua storia», ha dichiarato la direttrice artistica e curatrice Maria Grazia Londrino. «Le mura medievali dialogano naturalmente con l’arte contemporanea, creando un’esperienza che coinvolge lo sguardo ma anche i sensi, la memoria e le emozioni. È proprio questo lo spirito di Magliano Contemporanea e del Premio Tavano Amodeo: creare occasioni di unione attraverso la cultura, restituendo centralità alla dimensione umana e alla condivisione». Londrino ha inoltre sottolineato il valore del percorso condiviso con i maestri Savina Tavano e Manlio Amodeo, «attraverso il cui esempio abbiamo riscoperto il valore della lentezza, del dialogo, dell’ascolto e della memoria», ringraziando l’Amministrazione Comunale di Magliano in Toscana, gli artisti finalisti, l’azienda Campospillo e la rivista Inside Art per il sostegno e la collaborazione.

Sull’importanza dell’arte per la promozione del territorio si è soffermata anche l’amministrazione comunale: “Come vicesindaco e assessore al Turismo, sono fermamente convinta che l’arte contemporanea non sia un concetto astratto e distante, ma una straordinaria chiave di volta per il marketing territoriale – ha dichiarato Tamara Fattorini, vicesindaco del Comune di Magliano in Toscana –  L’arte ha il superpotere di diventare una lente d’ingrandimento attraverso la quale riscoprire la nostra realtà e, soprattutto, un motore formidabile per promuovere un turismo culturale, attento e di qualità. Quest’anno abbiamo lanciato una bellissima sfida agli artisti, invitandoli a confrontarsi con il cuore pulsante della nostra identità: l’olio, l’olivo e, in particolare, il fascino secolare e leggendario del nostro Olivo della Strega. Mostrare come le nostre radici più antiche possano dialogare con i linguaggi del presente è il modo migliore per posizionare Magliano in Toscana come una meta d’eccellenza per il turismo d’esperienza”.

Con questa edizione Magliano Contemporanea intende consolidare il proprio ruolo come spazio di dialogo tra sperimentazione artistica contemporanea e patrimonio identitario, dimostrando come l’arte possa essere uno strumento di partecipazione e valorizzazione per l’intero territorio.

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L’Imago Museum di Pescara ospita dal 19 giugno al 27 settembre 2026 la mostra temporanea “Il Volto dell’Invisibile. Manoppello e il mistero della Vera Icona”, promossa e realizzata dalla Fondazione Pescarabruzzo. L’inaugurazione della rassegna è prevista per venerdì 19 giugno 2026 alle ore 16.00.

Curata da Marco Bussagli, storico dell’arte e accademico, la mostra propone un’indagine sul tema della ricerca del volto di Cristo, mettendo al centro il Volto Santo di Manoppello, l’immagine conservata nel santuario cappuccino abruzzese. All’allestimento contribuiscono studiosi provenienti da diversi ambiti disciplinari per affrontare uno dei nodi più complessi e dibattuti della storia della cristianità.

L’evento, intitolato anche con riferimenti a figure come Michelangelo, intende offrire al pubblico strumenti di lettura e contestualizzazione storico-artistica attorno al fenomeno devozionale e scientifico che si è sviluppato attorno alla cosiddetta Vera Icona. La sede espositiva è l’Imago Museum, in Corso Vittorio Emanuele II 270 a Pescara.

La mostra rimarrà aperta per l’intero periodo estivo: dal 19 giugno al 27 settembre 2026, con l’opening programmato nel pomeriggio del 19 giugno.

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La mostra “Cosmo Sallustio. Magia della Realtà”, ospitata a La Vaccheria di Roma dal 6 giugno, propone un finissage venerdì 26 giugno alle ore 18.00. L’evento prevede una visita guidata condotta dai curatori Marco Nocca e Monica Sallustio, un intervento dell’antropologa Valentina Ferrante e un brindisi di chiusura accompagnato da intrattenimento jazz a cura di Claudio Pantaleone.

L’esposizione, che si concluderà ufficialmente il 28 giugno 2026, riunisce circa quaranta opere tra olii, disegni, acquerelli, tecniche miste, chine e sculture, molte delle quali presentate per la prima volta a Roma. Gli organizzatori hanno deciso il finissage come occasione per ripercorrere il percorso umano e artistico di Cosmo Sallustio, nato a Molfetta nel 1930 e scomparso a Roma nel 2010.

Il percorso espositivo documenta le diverse fasi della carriera dell’artista: dopo gli studi classici e il trasferimento a Roma nel 1958, Sallustio sviluppò inizialmente esercizi di stile; sul finire degli anni Settanta introdusse tematiche religiose ispirate ai passi del Vangelo, con figure cariche di simbolismo. Negli anni Novanta la sua opera si confronta con attualità e politica, raccontando anche fatti di cronaca. In merito agli ultimi anni di produzione, Marco Nocca osserva: “Non c’è dramma né moto, in questi felici dipinti degli ultimi anni, ma un ordine geometrico, la contemplazione filosofica della realtà: nella stasi assoluta, magia da decifrare, teorema da risolvere. Sta in questo il vero miracolo della pittura di Sallustio: produrre delle immagini senza tempo, avvolte da un’aura d’incantamento, che, senza mai far ricorso alla cronaca, in questa forma sospesa denunciano ancor più le sempiterne storture del mondo.” (M. Nocca).

La mostra si avvale del patrocinio del Municipio IX Roma Eur di Roma Capitale, in collaborazione con Aurorart, con il sostegno della Fondazione Elisabetta Sgarbi.

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Una retrospettiva dedicata a Cosmo Sallustio apre a Roma dal 6 al 28 giugno 2026 presso La Vaccheria. L’esposizione, curata da Marco Nocca e Monica Sallustio, presenta circa quaranta opere — tra oli, disegni, acquerelli, tecniche miste, chine e sculture — molte delle quali esposte per la prima volta nella capitale. L’inaugurazione è stata celebrata il 6 giugno alla presenza di Titti Di Salvo, presidente del Municipio IX Roma Eur.

La mostra, promossa con il patrocinio del Municipio IX Roma Eur in collaborazione con Aurorart e con il Main Sponsor Fondazione Elisabetta Sgarbi, è accompagnata da un catalogo pubblicato da Ceribelli Editore con testi di Valentina Ferranti, Marco Nocca, Monica Sallustio, Elisabetta Sgarbi e Vittorio Sgarbi; le schede tecniche sono a cura di Francesca Bozza. L’ingresso è libero.

Il percorso mette a fuoco la figura poliedrica dell’artista nato a Molfetta nel 1930 e scomparso a Roma nel 2010. Dopo gli studi classici e il trasferimento a Roma nel 1958, Sallustio conciliò per oltre trent’anni l’attività di insegnamento con un’intensa produzione artistica che comprende pittura, disegno e sperimentazione scultorea. Negli anni Settanta e Ottanta la sua ricerca si è estesa alla tematica religiosa e, progressivamente, a soggetti di attualità e cronaca che riflettono i conflitti e le tensioni del mondo contemporaneo.

Il percorso espositivo documenta questa evoluzione: dalle tavole a olio e dai numerosi studi preparatori a china e acquerello, alle sculture in cartone e in lamiera zincata. Sono presenti opere che trattano eventi storici recenti, come dipinti ispirati alla Guerra del Golfo e all’11 settembre, e lavori che utilizzano iconografie religiose per esplorare il conflitto tra bene e male.

Sui legami stilistici e sulle possibili ascendenze critiche, Vittorio Sgarbi osserva: “L’ho guardato nei suoi quadri accompagnati da lunghe didascalie illustrative, e ho provato a collocarlo nel tempo e nello spazio: anni trenta? Anni quaranta? Anni cinquanta? No.” Nel testo critico di Marco Nocca si legge inoltre che “nella stasi assoluta, magia da decifrare, teorema da risolvere. Sta in questo il vero miracolo della pittura di Sallustio: produrre delle immagini senza tempo, avvolte da un’aura d’incantamento”.

Il catalogo e i testi critici esplorano anche il rapporto dell’artista con la dimensione domestica e con le figure femminili del suo nucleo familiare, ricorrenti nella sua iconografia. Tra le opere citate nel percorso figura la grande tavola Mercatino rionale ristrutturato (1999) e interventi scultorei realizzati con materiali e tecniche sperimentali, come un Cristo risorto in lamiera di zinco saldata a stagno datato 1980.

Informazioni pratiche: la mostra è ospitata a La Vaccheria, Via Giovanni L’Eltore 35 (00144) Roma, e rimane aperta dal martedì al giovedì con orario 9:00–13:00 e dal venerdì alla domenica 9:00–19:00 (chiuso il lunedì). Per informazioni è disponibile il numero +39 392 0923625; il sito dell’artista è https://sallustiocosmo.it. Per materiale fotografico è indicato un link a una cartella esterna e sono forniti contatti dell’ufficio stampa.

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Il Mattatoio di Roma – La Pelanda ospiterà, dal 9 giugno al 2 agosto 2026, la mostra personale dell’artista Renzogallo intitolata Oltre le ceneri. L’allestimento, curato da Aldo Iori e progettato appositamente per la Galleria delle Vasche, presenta un percorso espositivo che mette in relazione le opere con lo spazio architettonico del luogo.

L’inaugurazione è prevista per l’8 giugno alle 18:30, preceduta da un’anteprima dedicata alla stampa lo stesso giorno alle 17:30; all’appuntamento saranno presenti l’artista e il curatore. Per accreditamenti è indicato l’indirizzo press@rp-press.it.

Il progetto espositivo si apre con un’opera site-specific composta da una sequenza di elementi in ferro verniciato di rosso disposti in modo da costituire un’unica grande installazione. La mostra prosegue con installazioni realizzate in legno e carta di giornale verniciate di rosso, dipinti su tela e opere in tecnica mista su carta, tutte concepite attorno ai concetti di soglia e attraversamento.

Secondo la progettualità esposta, le opere di Renzogallo cercano di mettere in crisi racconti prefabbricati e narrazioni dominanti, in particolare quelle veicolate dai mass media, esplorando significati là dove appaiono solo macerie. Le installazioni, adattate in scala allo spazio della Galleria delle Vasche, perseguono un’idea di monumentalità che le avvicina all’architettura: ogni struttura è pensata per dialogare con il luogo e per attivare, con la presenza dell’osservatore, una relazione fisica e visiva tra corpo, spazio e visione.

Il rosso, elemento ricorrente nel progetto, è descritto nella comunicazione degli organizzatori come vettore di intensità e di calore vitale che conferisce volume e forza simbolica alle opere.

Renzogallo (Lorenzo Gallo, Roma 1943) si è formato al Liceo artistico di via Ripetta sotto la guida di nomi come Giuseppe Capogrossi, Giulio Turcato, Afro e Gastone Novelli. Nel 1964 ha vinto una borsa di studio per Madrid, dove ha tenuto la prima mostra personale, per poi proseguire la carriera tra Barcellona e Parigi. La prima personale in Italia risale al 1967 nella galleria Il ferro di cavallo di Roma, con la presentazione di Gastone Novelli. Negli anni Settanta si è concentrato sulla pittura e sulla concezione dello spazio come dimensione pluridimensionale; nella seconda metà degli anni Settanta ha realizzato installazioni di rilievo a Modena e a Ferrara. Dal 1985 usa il nome d’arte Renzogallo e, tra gli Ottanta e i Novanta, ha ampliato l’uso di materiali eterogenei fino a sviluppare opere ambientali e tridimensionali.

La carriera dell’artista comprende mostre personali e collettive in diversi paesi, acquisizioni da parte di musei e interventi di arte pubblica realizzati in varie località italiane e internazionali. Negli anni Duemila ha svolto attività didattica presso istituzioni come La Sapienza di Roma, l’Accademia di Belle Arti di Perugia e l’Università della Tuscia. Renzogallo vive e lavora a Roma.

L’iniziativa è promossa dall’Assessorato alla Cultura di Roma Capitale, dall’Azienda Speciale Palaexpo e dalla Fondazione Mattatoio – Città delle Arti, realizzata dall’Azienda Speciale Palaexpo in collaborazione con Latitudo. Gli orari del Mattatoio sono dal martedì alla domenica, dalle 11:00 alle 20:00 (lunedì chiuso); l’ingresso è consentito fino a un’ora prima della chiusura.

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Mercoledì 20 maggio 2026, alle 11:30, la GAM — Galleria civica d’arte moderna e contemporanea di Torino ospita l’anteprima della mostra Quarta Risonanza. Disegno, Segno, Tratto. Un altro Novecento presenta una selezione di opere su carta tratte dalle collezioni della GAM, curata da Fabio Cafagna ed Elena Volpato.

Il programma espositivo include inoltre altre proposte e focus curatoriali citati nella programmazione: una sezione dedicata a Vincenzo Agnetti intitolata Oggi è un secolo, a cura di Chiara Bertola con Virginia Lupo, e contributi su nomi e temi che compaiono nell’elenco della mostra, tra cui Lisetta Carmi (Erotismo e autoritarismo a Staglieno), Giorgio Griffa (Omaggio per i 90 anni), oltre ai titoli Intruso e Pesce Khete.

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Da oggi è disponibile il catalogo in edizione limitata collegato alla mostra su Francesco Guccini ospitata allo Spazio Gerra di Reggio Emilia, visitabile fino al 18 ottobre 2026. Il volume, pubblicato da ICS – Innovazione Cultura Società, conta 84 pagine e presenta una confezione curata con copertina rigida, dorso telato e finitura in lamina argento; il prezzo indicato è di 35 euro. La tiratura è limitata e il catalogo sarà acquistabile esclusivamente per la durata della mostra.

Il progetto espositivo, intitolato Canterò soltanto il tempo in riferimento al verso tratto da “Il tema” (1970), mette al centro il rapporto tra parola, memoria e tempo. L’allestimento a ingresso gratuito nasce da una serie di incontri svolti nell’arco di due anni con l’artista, che hanno contribuito a definire il percorso narrativo della mostra mettendo a disposizione ricordi, riflessioni e aneddoti legati alla sua produzione musicale e letteraria.

La rassegna, promossa dal Comune di Reggio Emilia – Assessorato Cultura e Giovani e realizzata da ICS – Innovazione Cultura Società ETS, è curata da Stefania Carretti, Lorenzo Immovilli ed Erika Profumieri. La produzione è stata realizzata in collaborazione con Francesco Guccini e con Raffaella Zuccari, curatrice del suo archivio.

L’esposizione si sviluppa sui quattro piani di Spazio Gerra per circa 350 metri quadrati e organizza il materiale in nove gruppi tematici ispirati a altrettante canzoni. Il percorso unisce materiali d’archivio — fotografie, oggetti originali e riproduzioni — a nuove opere realizzate da illustratori e fotografi che dialogano con i testi e i temi gucciniani.

Tra gli interventi illustrati presenti in mostra e nel catalogo figurano i lavori di Maurizio Mantovi, Silvano Scolari, Veronica Ruffato, Gianmario Taurisano, Arianna Lerussi e Simona Costanzo. Sono inoltre esposte due produzioni fotografiche inedite: “Pavana e ricordi” di Paolo Simonazzi, che esplora luoghi simbolo legati all’universo dell’autore, e “Zeitraum” di Kai‑Uwe Schulte‑Bunert, che interpreta il tempo e il ricordo attraverso immagini di componenti di vecchi orologi.

Il catalogo è concepito come un grande dizionario dell’universo poetico e culturale di Guccini, dove voci tematiche — dalla storia ai fumetti, dalla letteratura alla musica, fino agli oggetti quotidiani e ai gatti — si collegano attraverso rimandi e suggestioni. Il volume ospita contributi di Guido De Maria, che racconta l’amicizia con Guccini nelle esperienze di musica e cabaret, Raimonda Riccini, che riflette sugli oggetti come tracce della cultura del Novecento, e Lorenzo Immovilli, che analizza il ruolo della musica nella trasformazione delle parole in classici.

Il catalogo include inoltre la voce dedicata ai “gatti”, accompagnata da un racconto inedito intitolato “GATTI”, tratto da Il Maestrone. Per acquistarlo è possibile ordinare scrivendo a spaziogerra@comune.re.it oppure acquistarlo direttamente presso Spazio Gerra, sede della mostra.

Parallelamente all’esposizione, la città ospiterà un calendario di eventi, incontri, approfondimenti e performance musicali che accompagneranno il periodo espositivo, coinvolgendo istituzioni culturali locali e artisti del panorama musicale e letterario italiano. Il progetto proseguirà anche in forma editoriale con la pubblicazione di un volume pensato per approfondire i legami tra parole, oggetti e biografia dell’autore.

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ALTRI EVENTI DEDICATI A SERGIO LEONE

Il cortometraggio fuori concorso

Tra le migliaia di cortometraggi che hanno partecipato alle selezioni, ne è giunto uno che ci ha sorpreso per l’impegno e il suo cast molto particolare, omaggiando proprio i film di Sergio Leone. Per questo motivo, la direzione artistica ha deciso di proiettare fuori concorso, nella serata speciale di premiazione che si terrà sabato 28 settembre a partire dalle ore 20.30 presso il Cinema Teatro Ariston, Per un pugno di banane, il cortometraggio in chiave ironica di Davide Forte, prodotto dalla Asl Roma e interpretato da un cast d’eccezione: tutti gli attori, infatti, sono ragazzi disabili o con sindrome di Down. Durante la serata ci sarà anche per loro una gradita sorpresa, riceveranno infatti un premio speciale.

Il libro

Moltissime pagine sono state scritte sui film di Sergio Leone, ma uno dei critici italiani più autorevoli è senz’altro Italo Moscati, che ha recentemente pubblicato il suo ultimo libro di matrice leoniana dal titolo Sergio Leone. Quando i fuorilegge diventano eroi edito da Castelvecchi, che sarà presentato Domenica 22 Settembre, ore 19, presso lo Yacht Restaurant di Gaeta. Ognuno dei sette film del regista è in costume: dalle tuniche degli antichi Greci ai borsalini dei gangster americani, passando per gli iconici speroni e cappelli da cowboy. Sette film sono stati sufficienti ad annoverare il regista italiano tra i grandi nomi del cinema. Ma la sua storia comincia da molto prima, dagli anni di gavetta come tuttofare sui set e i primi incarichi di supporto alla regia, con gli americani di Hollywood a Cinecittà e le bighe di Ben-Hur. E, prima ancora, dalle vite dei genitori, regista e attrice. Italo Moscati racconta in questo volume il cammino personale di Leone, dai suoi sforzi, le critiche e i successi ricevuti ricava un profilo sincero e appassionante dell’uomo oltre che dell’artista. Scrittore, sceneggiatore e regista, critico televisivo, Moscati vive e lavora a Roma dal 1967. Ha collaborato alla scrittura di quasi tutti i film di Liliana Cavani, Luigi Comencini e altri registi del cinema e della tv. È critico teatrale e cinematografico per numerosi giornali e riviste, oltre che per RaiSatCinema. Ha lavorato per RaiTre, RaiDue ed è stato capo dei servizi sperimentali della Rai, producendo i primi film di Gianni Amelio, Maurizio Ponzi e i lavori di Jean Luc Godard. È stato anche vicedirettore di RaiEducational. Per quattro anni è stato presidente del Centro d’Arte Contemporanea di Prato. Ha diretto serial, film e numerosi documentari. Tra i libri da lui pubblicati, molti sono di argomento cinematografico, tra cui Il cattivo Eduardo, Anna Magnani, Vittorio De Sica, Sophia Loren l’ultima diva.

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